Minimalisme Art Moderne


Le minimalisme, aussi appelé « art minimal » est un courant artistique qui est apparu au début des années 1960 aux États-Unis et #influence encore grandement le design actuel. Réagissant à la fois à l’Expressionnisme abstrait et au Pop Art, cet art qui prône la simplicité s’est emparé aussi bien de la sculpture et de la musique que de la peinture.

Face à la surconsommation, de plus en plus de Français ont fait du minimalisme un nouveau mode de vie. Avec une philosophie : « Consommer moins, mais mieux »? La pratique implique de se débarrasser du superflu afin de se concentrer sur l’essentiel. Objectif : apprendre à se détacher des choses matérielles, et du pouvoir qu’elles exercent sur nous, faire de l’espace dans sa vie et dans sa tête, et, bien sûr, adopter un mode de consommation raisonné et, si possible, responsable. 

Même si une tendance maximaliste se dessine de plus en plus, comme une réaction à une esthétique devenue reine, de l’intérieur de nos salons à celui de nos esprits, en quête de moins de superflu.

Le courant minimaliste a beaucoup influencé le design et le mobilier du XXe siècle. Frank Stella et Donald Judd (qui a dessiné des meubles) ont impacté le travail de designers comme Shiro Kuramata, Jean-Marie Massaud, Jasper Morrison ou encore Ronan et Erwan Bouroullec. Une grande partie du design actuel (y compris celui qu’on trouve chez des marques comme Ikea ou Habitat) et même de notre désir de détox et de faire le vide s’inspire de ce courant.

En sculpture, les artistes minimalistes optent pour des formes rudimentaires réalisées dans des matériaux la plupart du temps bruts comme l’acier, le béton ou le feutre. Carl Andre propose des carreaux de métal, Richard Serra imagine des feuilles métalliques pliées ou roulées dans lesquelles on peut se mouvoir, Donald Judd réalise des volumes en trois dimensions fixés aux murs et Dan Flavin assemble des tubes de néon blancs ou colorés.

La trace de la main du peintre s’efface presque totalement et aucune signification symbolique n’est revendiquée. Contrairement à la peinture classique, ces œuvres semblent en premier lieu dépourvues de charge émotionnelle. « What you see is what you see » (« ce que vous voyez est ce que vous voyez ») résuma un jour Stella dans une interview. De quoi couper court à toute tentative d’interprétation…

La volonté de se débarrasser d’artifices clinquants obligent à se concentrer sur ces formes pour ce qu’elles sont. Ces sculptures prennent leur sens dans la perception qu’on en a et leur situation dans l’espace. Cette réduction à l’essentiel peut sembler froide et neutre mais elle se rapproche d’un concept philosophique profond et fort : la pensée minimale.

La pureté des tableaux abstraits de Malevitch et les peintures monochromes d’Ad Reinhardt peuvent êtres vues comme les muses majeures des peintres minimalistes qui choisissent de mettre fin à l’ère des égos démesurés à la Andy Warhol ou des esprits torturés à la Jackson Pollock ! Parmi les plus grands représentants du minimalisme pictural, on trouve Sol LeWitt et Frank Stella. Les tableaux-objets abstraits de Stella aux formes de châssis non conventionnels représentent la plupart du temps des lignes droites, diagonales ou en zigzag.

Une peinture simple mais pas simpliste

On est dans la sobriété extrême et la plus grande économie des moyens, les artistes évitant à tout prix le décoratif et la création d’illusions. L’expression d’Art Minimal est utilisée pour la première fois en 1965 par le philosophe anglais du courant analytique Richard Wollheim dans la revue Arts Magazine l’une des qualités communes à l’œuvre de ces artistes, elle ne constitue pas, selon eux, un but en elle-même. L’insistance sur cette caractéristique, qui présente leurs œuvres sous l’angle de la pauvreté, leur paraît un jugement réducteur au point qu’ils rejetteront l’appellation de « minimalisme » ou d’« art minimal ». En fait, seule la représentation de l’œuvre est minimale. Mais beaucoup d’artistes qui en font partie la rejettent pour son côté réducteur. mais plutôt une nouvelle expérience artistique débarrassée de tout effet illusionniste.

Ce courant abstrait découle en partie du Modernisme, et puise une partie de son inspiration dans le Bauhaus dont l’un des artistes phares, l’architecte Mies Van der Rohe avait proclamé « less is more » (« moins c’est plus »). Les artistes adeptes du minimalisme optent pour des formes géométriques dépouillées, basiques (ronds, carrés, lignes) et une limitation des couleurs (les œuvres sont quasi monochromes).

Tony Smith

1970, Tony Smith devant sa sculpture Amaryllis (1965)

Tony Smith, né en 1912 à South Orange (New Jersey), est souvent cité comme un pionnier de la sculpture minimaliste américaine.
Enfant tuberculeux, il est soigné par une infirmière et accompagné par des professeurs particuliers pour sa scolarité. Les médicaments qu’il prend sont placés dans de petites boites avec lesquels il élève des constructions en carton ; quand il le peut, il visite l’usine familiale de vannes hydrauliques afin d’admirer les machines et les procédés de fabrication. Jeune adulte, Tony Smith ouvre une librairie, travaille dans l’usine familiale et suit les cours du soir de l’Art Students League of New York. En 1937, il déménage à Chicago pour étudier au New Bauhaus, mais est déçu par l’enseignement. L’année suivante, Smith commence à travailler comme employé pour le grand (l’immense) architecte Frank Lloyd Wright – auteur, notamment du musée Guggenheim de New York (1956-1959). Une fois à son compte, bien qu’il ne possède pas d’éducation architecturale formelle ni même de diplôme, Tony Smith reçoit plusieurs commandes pour concevoir et construire des habitations, y compris des studios pour Theodoros Stamos (1959), Betty Parsons (1959) et un complexe étendu pour Fred Olsen (1953). Malgré ces succès, la relation architecte/client le frustre suffisamment pour qu’il soit plus attiré vers la production artistique.

Il commence alors à concevoir des sculptures avec des modules géométriques simples combinés sur une grille tridimensionnelle. Ses premières expositions ont lieu en 1964 et sa première exposition personnelle en 1966. Cette même année, il est inclus à Primary Structures, une des expositions les plus importantes des années 1960, au Jewish Museum de New York. C’est aussi l’époque de ses premières sculptures monumentales. Dans les années 1960 et 1970, il est un des sculpteur essentiel du minimalisme.

Durant les années 1940 et 1950, Smith est devenu un ami proche de Barnett Newman, Jackson Pollock, Mark Rothko et Clyfford Still. Smith peint alors des compositions géométriques abstraites qui montrent leur influence. Il se retrouve également à enseigner le design au Hunter College.
En 1958, il imagine Die, un cube en acier de 6 pieds de côté (environ 1,83 mètres) qui, réalisé industriellement en 1962, va établir sa réputation comme étant l’un des artistes les plus influents et les plus importants de son temps. Il expliquera les dimensions de son cube comme s’inspirant des proportions de l’homme de Vitruve (Léonard de Vinci) – plus petit, son cube n’aurait été qu’un simple objet ; plus grand, un monument. Le titre, Die, est sans doute une allusion à l’expression « 6 pieds sous terre » mais aussi au « playing die », le dé à jouer…
Marié à la chanteuse d’opéra, Jane Lawrence, Tony Smith est le père de l’artiste contemporaine Kiki Smith. Il a succombé à une crise cardiaque en décembre 1980.

Cette vibration chromatique de Tony Smith évoque dans son aspect géométrique et son économie de moyen le courant minimaliste. Tout en y ajoutant une touche de modernité et de couleur.

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